同時存在的學習—教導學生以音樂性來思考
內容簡介 保羅．哈理斯（Paul Harris）帶領我們進入他的教學哲學領域，解釋如何藉由連結使課程變得更有效率，並使學生可以自行作這些音樂的連結。		保羅. 哈理斯（Paul Harris）是一位教師、作曲家、作家、單簧管演奏家、教育工作者及考官。是250餘本書的作者，包括了音樂教師手冊（Associated Board出版）和改進你的視奏！系列（Faber Music 出版）。也有一些音樂作品發表，小至教學用的小品到五首協奏曲和芭蕾音樂。 許優秀 譯
────────────────────────────────────────── 身為一位考官，有的時候聽到考生彈得可以令人接受或甚至很好，但之後的表現水準就下滑到令人很鬱悶，真是一件令人氣餒的事情。我聽到這樣的哭喊「你怎麼可能在短短一課的時間，致力於技巧、音階、視奏、聽力、記譜、即興、樂理、作曲（這些寫下去可能永無休止）？顯而易見地，時間不夠。」。但說不定這一些課堂或練習的珍貴時間還可以更加有效率地被使用。 讓我們稍微離題一下，思考這個問題「為什麼有些人就是比其他人更具有音樂性？」。回答是，在一個程度上，是根據在遺傳上，也就是說，他們的大腦連接的方式。但是先天的因素也必須靠後天的養育來支持。父母較為細膩且具想像力，在養育早期有許多創造性的活動（什麼都好，比如說，唱歌和跳舞、繪畫或勞作、玩積木或拼圖），會比在人生的早期缺乏這些活動，要更具優勢。經由這一些活動，大腦中的連結會更加穩固，這連結的樣子也有助於音樂性的思考。 那麼，什麼是音樂性的思考呢？ 這個問題的回答，要從音樂家們如何從許多不同的要素憑著直覺將之串聯並行成音樂。當音樂家們在讀譜的同時，就可以用他們的音耳聽見音樂。他們瞭解調性和節奏，並對音色的平衡、音響效果以及音樂的內涵有所認知。當他們聽音樂時，會對這一切都立即了然於心。這和許多的認知型態是極為類似，有一些事物是複雜且多元的，如我們所知，分辨一粒葡萄或梅子—這是一種整體的感知（不管有沒有一個實體放在我們的手上）∼我們知道它看起來如何；摸起來如何；嚐嚐看的滋味又是如何，這些都是它所構成的要素。有一則音樂的逸事，當莫札特在頭腦中完成一首音樂時，他可以立即地「看見」整首作品的模樣—這是一種整體性思考的結果。只有運用全腦的運作，才是作到音樂性思考的途徑。對非常少數具有天生多數的神經連結的人而言，這常是很自然的事。對其他大多數的人而言，有效率的教學可以幫助學生作腦內的連結，以發展他們音樂性的思考。 所以，教師可以做什麼呢？ 教師的工作是什麼？並不只是單純地教樂曲而已。教學的過程不應只是更正學生的錯誤∼一種被動式的學習，這種教學方式對教師和學生而言都是一樣地無趣而且缺乏動力。應該要教導學生成為更好的一位音樂家—這可以藉由同時存在的學習來達成。 有許多的課程都是由許多的零碎片段所構成。一些增進樂曲彈奏的工作；如果時間許可的話，再彈一兩個音階；可能的話再彈一些視奏；如果下一位學生遲到的話，還可以很快地作一些聽力測驗。但是這離理想的教學還差得很遠，也不能教導學生擁有獨立的音樂思考。 要掌握同時存在學習的精神，首先要先將你覺得在課程內應該有的項目寫下來，再將其中的兩三項作出連結。比如說，視奏和音階（有許多視奏中的音型是由不同音階的音型簡化而來）、再找出音階和聽力的連結、聽力和樂曲、樂曲和背譜、背譜和即興……，你能想到的愈多，也就是你能創造出更多的連結。事實上，這些不同的音樂活動中產生的連結是無限寬廣的∼只要花一點點的功夫，就可以打開腦內連結的蹊徑。只要你開始以這樣的方式思考你的課程，就等於是開始了人生的新頁。教師將不再只是對準備不足的功課地作被動式的回應，取而代之的是設定好的教學計劃，用較具音樂性的方式，將不同的音樂素材串聯起來。整個的教學過程將會更具想像力，課程本身將成為令人驚嘆的發現之旅，學生和教師雙方都可以獲得正面的動力，被學習的興奮刺激引燃智慧的火花。 大多數的學生都會覺得，學習並演奏樂曲，是所有的功課中，最令人愉悅的部分。所以，我們要將樂曲保留在課程的核心部分。但是，樂曲是如何地教，是很關鍵的部分。所有良好的教學都需要準備。在準備教一首特殊的樂曲之前，要先界定其中的音樂元素：音階、琶音、和一些旋律和節奏的音型、表現的術語和其他的指示。要了解這一首樂曲，是很重要的。然後我們所教的不是這一首樂曲，而是其中的音樂元素。我們接著可以將之和聽力、技巧（包括藉由音階來發展調性的感覺）、背譜、視奏、即興、作曲和樂理。用這種方式，技巧、相關的知識、音樂的認知，會互相產生連結，整個教育的過程也會變得更有力且更有效率。我們在教導一語言，我們讓學生們看見並了解，聽見並了解，我們在教導他們音樂。 身為一位教師，我常會感到氣餒和失望，當我看到一些學生表面上看起來好像有學到一些東西，但是在其他的地方卻不能應用原先學得的知識。為了某些原因，之前的學習並不很有效。在一個良好的同時存在的學習之中，應該要有相當數量的對話∼以經過設計，具洞察力的問題，來促使學生，發展音樂的連結，並自主地思考。學生應該要被鼓勵找到方法解決他們自己的問題。教師是扮演引導和指揮的角色。這可以造成真正的進步，讓學生能夠自行轉換知識並更確實地了解。 所以，在同時存在的學習之中，可能展現什麼呢？在其中有無限的可能。你可能將整堂課的根基建立在一首沒有見過的視奏曲上，你也可能建立在由一首已經學好的樂曲上發展的即興或作曲上。現在，讓我們來假設我們正在教導一位很初級的鋼琴學生，這位學生剛剛學了C大調音階，並仔細地準備了一首樂曲C調稍快板的前半部分。我們一開始的時候適用歌唱的方式（在課程中應該都一直要有歌唱的部分），然後再彈音階。學生會被問到：有節奏感嗎？音色均勻嗎？有沒有技巧上的錯誤？學生會自行提出一些改善的方法。為了要培養音樂上獨立思考的能力，讓學生對自己的彈奏有自己的意見是很必要的。接下來，可以作一些C大調中的簡單即興∼如果你喜歡的話，可以作自由的即興，或者也可以用學生所正在彈的樂曲中的某一段樂句為基礎的即興（但是不要看譜！）。然後再回想剛才所作過的即興，並討論強弱的表現範圍。再作第二次的即興，但是用更寬廣的強弱表現範圍。再討論一些其他即興的要素。這可不可以再改善一些？如何作？說不定這會使得一些技術問題浮現出來，得以藉此作更多的即興或一些有趣的練習。 再接下來，回到這首樂曲∼但樂譜還是一樣閤著。可不可以將前幾小節的節奏拍出來？可以真的背譜彈出來多少？。對可以背彈出來的部分來作一些功課。有沒有一些顯著的特徵（可能是旋律、節奏、或特別的標語、特殊風格的樂思）可以藉由交談來加以拓展，並加入其它的內容（還是沒有打開樂譜）。可能是將旋律的片段再其他的調性上彈一彈、誇大或變更音樂標語，這一些變化的可能性只可能以想像力的範圍為邊界。 現在，再將樂譜打開來。先在彈奏之前，腦中安靜地讀譜。試試看將右手的旋律用歌唱的方式作出來並同時彈奏左手。然後（假設在視譜之後，學生沒有覺得困難的地方）再視奏往前的幾個小節。如果在這個階段，視奏沒有作到百分之百的準確並不要緊。這樣嘗試的主要目 的是要增進所有的音樂能力。和之前一樣，再新的一段之中討論並在音樂的各個元素中下一些功夫。不要只是簡單地教一首曲子。 現在再決定這個星期的練習焦點，並討論要作什麼練習—同時存在的學習不是只存在於課堂之中，也應融入平日的練習之內。多作一些C大調的練習—可能用一些不同的強弱、或使用這首樂曲內的特殊的節奏、或是讓學生自行創作屬於他（她）自己的C調稍快板（說不定學生可以發展出不同的樂思，或是對前幾小節再下一些功夫），或是對這首樂曲再多作一些修飾—或是盡可能地多作一些背譜。學生應要作練習的紀錄，記下在這段期間內的不同樂思。藉此，練琴可以成為更有想像力和創造力的經驗—不再是心不在焉，在一不留神的二十分鐘內，學生可能發展了其他什麼出來了呢！ 所以，在這樣的一課之內（並且這和練琴的時間有關，應要清楚地和精神及內容相連結）我們包含了技巧的工作、聽力、即興、節奏、作曲、音階、背譜、視奏及一些音樂素養的相關項目。音樂藉由樂曲的發展，成了一種心靈的活動。 同時存在的學習是一種連結的創造。 一旦教師和學生所組成的團隊在這樣的學習中運作，這水平線的範圍可以變得更加寬廣。這使的雙方有連結，音樂也隨之有生命。一堂音樂課只應花很少的時間在更正學生的錯誤，而是要讓學生了解音樂是如何地進行。同時存在的學習是一種連結的創造。經由教導學生來製造這些連結，我們才可以真正地增進學生的音樂能力。當然，這需要長時間的接觸，也需要一些勇氣，但回饋是豐富的。我們在培養學生音樂上的獨立，他（她）們放棄的可能性將會大為減低，我們在幫助他（她）們，獲得在生命中獨一無二的天賦才能。

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